2019年年底，我们又干了一件大事——成功召开了“世界灯光设计师大会”。为召开这次大会，我们筹备了三年之久，经历并克服了许多困难。小的就不提了，大的有这么几项：首先是在学术层面如何界定，当今全世界的舞台演艺领域都发生了翻天地覆的变化，中国的相关专业已经全面进入“大舞美”时代，灯光艺术从单纯服务于戏剧舞台，开始走向更加广阔的新天地。所以，如何定位会议主题，邀请哪些专家，一度给我们带来困惑;其次是财务上的约束，举办如此规模的国际性、专业化大会，场地、物料、人力等等，将面临一笔巨大的经费预算，对中国舞台美术学会这样一个民间社团组织来说，实属捉襟而见肘;再次就是人力资源上的困难，会议的主办方和参与者都是专业人士，我们几乎没有专职的会务团队，所有的筹备工作和行政事物都靠大家业余时间完成，而且都是义务性的，我们所能依靠的，就是大家对灯光艺术的一片情怀。
从2015年的“第三届中国舞台美术展”以后，我们就动议召开一次高规格的国际灯光设计交流活动。最初我和马路、伊天夫、胡耀辉等几个教授就会议主题进行过多轮探讨，初步达成共识并描绘出一个大概的轮廓，即：要站在国际视域的高度上，关注全球灯光行业宏观发展趋势;在内容上要涵盖艺术理念、创作实践、史论研究、科技研发、人才培养、国际合作等等;邀请专家要包括国内外灯光界的先行者、实践者和研发者，在不同创作方向上共同探讨灯光艺术与技术的本质与规律，如戏剧舞台、文旅演出、庆典晚会，以及影视照明、景观照明和建筑照明等等。此外，还必须邀请工程师和企业家参会，他们将从理性的技术角度给设计师们提供更多创意的可能性，使天马行空般的艺术想象得以诗意化地呈现。
这次会议是由灯光专业委员会来具体完成落实的。委员会主任胡耀辉教授和他的团队针对所有细节忙乎了近一年时间。在此基础上，我和胡耀辉教授进行了多次沟通，最终把大会主题词确定为：“灯光——世界语境下的视界语汇”。我想在这里先解释一下对“视界语汇”理解。光，未必被所有创作者和观赏者感知，但是光确实影响着一切视觉艺术的存在。对舞台艺术而言，灯光设计则是绝对不可或缺的要素之一，而且在戏剧演出中发挥着越来越重要的作用。尤其对当代舞台艺术而言，灯光已成为特殊的视觉语汇。我们用了很长时间探讨了“视界语汇”这个话题。在这里，汉语语境下的“视界”，是对应了现代物理学的概念——就是把能够被人们所观察到的时空界面称为视界(horizon)，它比视觉(visuai sense)的视野范围(range of vision)更加宽泛。视觉艺术，通常是指运用一定的物质材料、技术手法，创作可供人观看欣赏的艺术作品。视觉艺术单纯强调人的视觉感受，而当代灯光设计的呈现手段与影像、声音以及时间等元素有密不可分的关联，其内涵概念已经跨界至多维表达的新领域，形成一个包含综合因素的艺术新门类。所以说，“视界语汇”比“视觉语言”的感知与表达范围更宽广、更综合。
随着人类“社会表演”的属性被重新诠释，当代“剧场”概念已经打破了传统意义上的物理空间法则，对常规剧场之外的非常规表演场所出现新的认知。当今的“戏剧性”演出和“非戏剧性”演出同样得到人们的重视，灯光设计师的职能开始发生裂变。一方面，针对“戏剧性”的舞台演出，设计师在与编剧、导演、表演、舞台空间设计等合作者深度沟通的基础上，产生了从被动服务到主动创造的巨大变革。他们基于对光的理解，通过对光的设计，用灯光语汇创造出围绕着演员的复杂空间和氛围，渲染情绪，助推述事，完整表达作品的文学性、戏剧性、诗意化等美学内涵，以唤起观众的情感反应。另一方面，对于观众来说，在剧院之外能够欣赏到戏剧性的灯光照明也是很有吸引力的。当代灯光艺术的概念已经冲破传统的功能性与装饰性的藩篱，设计师们尝试调动灯光科技自身所具备的美学属性，创造以光为语言的文本，在光与影的抽象概念里注入文化内涵，使灯光艺术的张力辐射到庆典仪式、城市亮化、景观照明等领域。于是，在灯光艺术的作用下，人们的审美情感表达与城乡经济建设联系到一起，灯光语汇的应用和服务被赋予新的功能。也就是说，灯光除了完成服务于表演的任务，它自身所具备的表演属性也在逐渐得到人们的认同。
关于“世界语境”，这个话题比较好理解。数字技术把世界带入互联网时代，全人类被压缩成一个“地球村”，不同地域、不同国别、不同种族之间的交流日益便捷畅达。20世纪九十年代以来，我国的艺术创作全面受到全球化影响，世界文艺思潮，不论是艺术层面的还是技术层面的更新迭代，都会快速形成相互渗透的局面。全球一体化的经济观念、生活观念、文化观念逐渐形成一个趋同的话语语境，成为普遍意义上的审美法则和技术规范。但是在全人类生活进化逐渐趋同的背后，各民族之间的文化差异仍然是相对恒定的。我觉得邢辛先生的解答比较恰当，他认为“世界语境”就像标准普通话，“视界语汇”就如同地方方言。尽管各地方言的发音不同，但讲的都是汉语。
具体谈到中国舞台灯光设计，自改革开放以来，可以说是用短短的四十年跨过了西方的两个世纪。当今的灯光设计在世界语境下产生了新的参照体系，通过对整个标准化语汇的研究和理解，不管遇到什么戏剧种类和表演形式，灯光照明方式基本上都是大同小异。但不同文化背景的观众，对艺术审美会产生更多的期许。作为艺术家本身，也从不满足于简单重复那些适应性艺术形式，他们自始至终都在与通用的或陈旧的审美习惯抗争，力求表达自己作品的个性化和完整性。于是，如何在世界语境下保持文化多样化，思考中国民族文化个性的传承与发展，探索在尊重传统民族审美共性的基础之上，融入当代灯光艺术理念，使民族文化的发展形成活态的流传，成为这次大会的核心话题。我们鼓励与会者整理并批评国内外各种创作思潮，用自己的思辨参与艺术发展的进程，在世界艺术之林中找准自己的定位和发展方向，并期望那些有价值的思想能够影响灯光艺术未来的发展。
不论是“戏剧性”还是“非戏剧性”的演出空间，灯光视界语汇的表达，都离不开相关技术的支撑。人类早期的表演环境依靠自然光照，人工照明光源的出现，使空间形态变化成为可控的视觉能量。表演空间的质和量由此产生根本性转变，观众除了关注暴露在光天化日之下的表演行为，那些由设计师刻意设置的暗影也在更大范围内加强了剧情的感染力。在舞台艺术演变史上，历次重大突破都与技术装备密不可分。灯具的发展基本上都是在光源上的改变。比如从早期的蜡烛、油灯到钨丝光源、气体放电光源、再到LED光源，丰富多彩的光源使舞台视觉效果的感染力倍增。与此同时，人们对光的控制更加自由，效果方面也都得以优化，功能越来越强大。例如，优良的LED切割灯，可以解决光斑均匀性问题、噪音问题、显色指数，以及灯具体积和重量等问题。反过来说，科技进步对灯光师的要求也越来越高。技术与艺术相互作用的讨论从未停止过。
我认为，对一个专业化的当代灯光设计师而言，审美意识已经是一项必备的基础条件，而那些有价值的创意往往来自于对技术的深层理解，他的技术能力要比艺术素养更有意义。技术促进情感与情境的互动，使艺术个性与魅力得以升华。当下的中国的舞台灯光装备行业，已经开始高度重视与灯光艺术家的互动，在光源研发、光学技术革新、打通视觉和声音一体化控制等方面，形成合力，逐步把国产化视听系统整合成一个技术整体。
现在再回到文章开头说的，关于筹备“世界灯光设计师大会”遇到的三个困难。事实证明，只要概念清晰，找准定位，明确主题，后面的几个问题都不是问题了。在此要感谢本届大会的协办单位——国家体育场有限责任公司，把会议安排在举世闻名的国家体育场(鸟巢)——这个巨大的当代人文空间召开，这本身就具有非凡的意义。也由此，我们把大会的话题进一步引申到艺术、技术以及商业的关系。人类进入到后工业革命时期以来，技术、材料和工艺自身所散发的美感，已得到普遍的认知和开发。发端于二十世纪上半叶的现代设计思潮，以包豪斯为起始点，为我们划出了以设计运动促进社会更新的知识重点，其中的简约美学、材料工艺美学和主张艺术与技术相统一等设计理念，对整个世界影响至今。
一些具有远见卓识的艺术家从未间断对光影自身美学价值的探索，他们致力于彰显灯光在物质层面的技术美学，探寻可操控的灯光变化的内在表演属性，挖掘灯光艺术的商业潜力。
近年来，在胡耀辉、马路、伊天夫等教授的率领下，整合了几大艺术院校的师生资源，已成功举办了两届“造梦·鸟巢” 大型视听光影秀。他们按照灯光艺术的逻辑构思创作主题并编程，2018年的主题为纪念北京奥运会成功举办十周年，2019年的主题为纪念共和国建国七十周年，依据主题所带来的灵感，形成特殊的视听光影程序文本，用多元灯效和音效所产生的语汇讲故事，在鸟巢这个特殊场域营造戏剧化时空气氛，创造不可替代的精神价值。因而，“视觉导演”这个身份应运而生。这种更大的挑战，要求他们兼具戏剧文本和导演创作的双重思考功能，还要用宏观的眼光把握灯光设计，熟练驾驭器材装备，完整呈现艺术与技术之美。所带来的震撼不仅停留在感官刺激上，给观众内心的精神触动，是坐在封闭的剧场里无法获得的。
实践证明，每次创作活动都会吸引多家顶级灯光、音响和演艺装备制造商积极参与，器材装备上的技术革新为灯光设计拓展了无限宽广的空间，而艺术家的丰富想象力又返过头来刺激了产品的不断更迭。此外，绿色环保、施工简便、成本可控的大型视听光影秀，还会为夜游经济带来可观的附加值，进一步增加鸟巢的文化内涵和品牌效应。由此种种，当“世界灯光设计师大会”的学术价值和概念定位找准以后，诸如场地、经费、人力、物力等问题都迎刃而解。
最后还要再着重提一下人才培养。“世界灯光设计师大会”的筹办者们为展示和交流国内教学状况，专门邀请多家专业院校，在会议同步联合举办了灯光教育成果展。展品直观地反映了当前中国灯光设计教学的整体水平，充分体现了人才储备的希望所在，也为今后的教研教改进一步开拓视野打下基础。相对而言，灯光艺术创作的呈现只是瞬间的，而人才培养却是一个永恒的话题，针对各个层级的教育培训任重而道远。金长烈先生在近几年提出灯光领域未来发展的“四化”趋势，即“自动化、智能化、系统化、国产化”，我觉得这个话题在教学内容上也是适用的。我认为未来的专业人才培养面临两项重要任务：
一是全面重视技术素质提升。我们现有的几所高等院校的灯光专业人才培养，还是单一从戏剧舞台的应用上考虑问题。虽然培养了大量优秀设计师，但这些学生在综合素质上仍然缺乏工科训练内容，造成技术技能的缺失。另外，专业化灯光科技研究方面的人才培养，还没有在高等教育体系中占有一席之地，某些程度上阻碍了灯光技术的持续变革与发展。未来的灯光设计将越来越依赖技术支撑，我们需要搭建一个跨界联合的人才培养机制，除了设计方法的训练之外，还要在光源、控制、数字化离线编程，软件开发等方面形成完整的知识链，从而解决专业人才培养的根本性问题。
二是强调综合文化品位培养。判断一个灯光设计师是否具有创造性，主要是看他的审美高度和把握全局的能力。当代灯光设计的职能已经不是简单照亮舞台、渲染气氛就可以了，一方面，要求设计师必须具备编剧、导演的思考方式，进一步抒发、延伸合作者的意图，以提高戏剧变化和舞台视觉的整体效果。另一方面，一个优秀的灯光设计师，还要具备独立创作能力，利用一些特殊空间场域，用灯光语汇呈现“非戏剧化”表演行为。此外，如何把灯光这种舶来品本土化，使艺术个性与共性得到协调发展，也是教育内容之一。因此，有必要对现有课程进行充实改造。例如，音乐对整个表演活动的律动起着主宰作用，而灯光则是视听效果的融合，设计师对音乐的理解程度左右着整个舞台的视听效果。所以在教学方案中设置中外音乐课程就显得至关重要，是新型人才培养的基本保证。
未来已来——我们正在迈入5G科技时代，被广泛接受的“大舞美”观念，引领表演设计开启新局面。不断改革的创新精神，也是中华优秀传统文化精髓之一。智者见于未萌，下一步，我们将继续联动多方优质资源，大力推动表演设计领域的“英才培育计划”。按照当代时空美学发展规律，遵循艺术与技术的逻辑关系，发挥灯光照明的先天科技优势，探索技术本身具备的审美要素，挖掘其艺术表达的无限可能性，从“技术服务于艺术”，进而发展到“艺术与技术相互融合”。
